Née à Casablanca, Sophia Engi Slaoui est une artiste marocaine dont les œuvres ont été présentées au musée MACAAL (collection permanente), à la foire 1:54 de Marrakech aux côtés de Mahi Binebine, ainsi qu'à la galerie Sonia Monti à Paris et dans de nombreuses expositions collectives.
Architecte de formation, elle est diplômée en Beaux-Arts du Central Saint Martins College of Art & Design (Londres), avec une spécialisation en conception architecturale et un master en gestion et commerce international de l'Université de Westminster. Installée au Maroc, elle co-fonde le cabinet Sarchi, tout en poursuivant son travail en atelier, fusionnant ses deux pratiques pour enrichir son langage artistique.
Dans ses œuvres, Engi déconstruit et recompose des symboles, mots et figures, intégrant des éléments architecturaux pour dépasser les limites du langage visuel. Elle explore la dualité entre le vide et le plein, la lumière et l’obscurité, dans un dialogue singulier entre abstraction et figuration.

Démarche
J’explore la connexion dans la dualité, où chaos et ordre, isolement et lien, lumière et ombre s’affrontent pour révéler la complexité du monde contemporain. À travers une narration expressive, mes peintures retranscrivent la condition de l’individu, partagé entre solitude et interaction, dans une société marquée par la surveillance et la virtualité. Le geste de l’humanité n’est pas transcendant en soi : il s’ancre toujours dans un cadre plus vaste. Cette filiation situe ma pratique dans un champ où la dualité n’est pas une abstraction, mais une expérience vécue, pensée et représentée — entre présence et absence, ordre et chaos, vide et plein.
Mon travail s’inscrit dans la continuité de l’expressionnisme, de l’abstraction gestuelle et de la figuration. L’énergie du geste, la superposition des couches et l’usage de la matière rapprochent ma pratique de l’expressionnisme abstrait (Pollock, Mitchell, De Kooning) et de la figuration expressionniste (Bacon), où la peinture traduit l’intensité émotionnelle.
J’utilise principalement l’huile et l’acrylique, auxquels j’associe parfois le fusain ou des marqueurs acryliques, sur toile ou papier. J’expérimente avec l’eau et l’huile afin d’élargir les possibilités du médium, en produisant des réactions de surface que j’intègre au processus de composition. Les marques accidentelles sont conservées et réintégrées comme éléments constitutifs de l’œuvre. Mon approche repose sur la superposition de couches successives, la scarification ou l’incision de la matière, ainsi que sur l’usage de contrastes chromatiques marqués. Cette méthodologie permet de développer des textures variées, des rythmes différenciés et des rapports de densité qui organisent l’espace pictural. J’articule ainsi le geste intuitif avec la rigueur du dessin, créant une tension entre figuration et abstraction. Des figures humaines ou symboliques apparaissent dans ces champs structurés, souvent en relation avec des formes géométriques.
Je m’appuie sur des idées et philosophies universelles — le yin–yang, les labyrinthes de Bachelard, les réflexions de Lacan sur le regard et l’ordre symbolique — pour inscrire ma démarche dans une dimension symbolique et conceptuelle. Ma pratique répond également à la condition post-digitale : en explorant les notions de flux et d’interconnexion à travers le geste pictural, j’interroge la place de l’individu dans une société marquée par la virtualité et la surveillance.
De portraits fragmentés, ma pratique a évolué vers des terrains plus universels — labyrinthes, mots déconstruits, structures flottantes — marquant un passage du personnel vers le collectif. Mes peintures se veulent des espaces de rencontre où le spectateur confronte chaos et calme, fragilité et force, soi et autre.
La série en cours, Entre Yin to Yang, réinterprète le symbole universel du Yin–Yang en tant que métaphore spatiale. J’y poursuis mon exploration de la dualité en développant des pavillons conceptuels qui créent des espaces de réflexion sur la condition humaine dans la tension entre le soi et l’autre. Cette recherche invite à considérer comment les opposés, dans leur confrontation, engendrent l’unité.
En écho au thème curatorial « ce geste vient d’ailleurs », mon travail affirme que le geste de l’humanité n’est pas transcendant : il prend forme dans l’immanence des contradictions qui structurent notre existence. L’énergie qui nous relie surgit de la dialectique des contraires — chaos et ordre, lumière et obscurité, isolement et connexion — et révèle que l’« ailleurs » se situe dans ces tensions constitutives de la condition humaine.