Je m'appelle Othman Hassani, j'ai 22 ans et je suis un artiste peintre marocain en cours de spécialisation en Arts Plastiques. Je suis né en 2003 à Casablanca. Issu d’une famille d’artistes, j'ai grandi dans un environnement artistique qui a façonné ma sensibilité esthétique dès mon plus jeune âge.
J'ai d'abord suivi une formation en Architecture de Paysage, qui m'a apporté une solide maîtrise du mélange des couleurs et du cercle chromatique. Cette formation technique constitue le socle de ma compréhension de l'espace et de la composition.
Mon père, Saad Hassani, artiste peintre reconnu, a joué un rôle déterminant dans ma formation artistique. Cette transmission familiale m'a apporté une compréhension approfondie des techniques picturales et une philosophie de la création alliant tradition et modernité. L'atelier familial demeure un lieu central de mon développement artistique.
Mon parcours s'est enrichi à travers plusieurs expériences formatrices. J'ai débuté ma formation picturale collective à l'Atelier Debdoubi à Tanger, puis approfondi ma pratique technique et conceptuelle à l'Atelier Mouad Jebari, également à Tanger, en 2025. La Résidence Ifitry à Essaouira m'a offert une période privilégiée de recherche et d'expérimentation. J'ai également participé au Moussem d'Asilah, festival culturel qui m'a permis d'explorer l'art dans l'espace public.
Ma pratique artistique se caractérise par la coexistence de deux approches : les œuvres géométriques et les peintures gestuelles. Cette dualité reflète ma conception de l'atelier comme espace de dialogue entre les générations et les influences artistiques . Je me définis comme un "artiste en construction", privilégiant une approche expérimentale et l'exploration permanente de nouvelles voies d'expression. Mon travail témoigne d'une recherche d'authenticité dans le geste pictural et d'une quête d'intensité émotionnelle dans la création.

Ma pratique artistique s’inscrit dans un moment d’exploration, où l’expérimentation prévaut sur toute forme de codification. J’aborde l’abstraction comme un champ d’investigation, un espace où se déploient des forces essentielles, celles qui se révèlent dans les zones d’entre-deux.
Quand j'affirme refuser toute narration imposée, je revendique cette liberté de laisser les œuvres exister dans leur pleine autonomie visuelle. Cette position n'est pas un rejet de la pensée mais une volonté de préserver un espace de création où l'intuition et la sensation peuvent s'épanouir sans contrainte discursive. Jeune artiste, j'ai encore cette chance de créer sans avoir à tout justifier théoriquement, de laisser les toiles parler leur propre langage avant qu'on leur impose un vocabulaire critique.
Enfant de peintre, mon rapport à la couleur s'ancre dans cette sensorialité directe héritée de l'enfance. Je commence souvent mes toiles par une intuition chromatique : un rouge-orange particulier, un bleu qui tire vers le violet, une terre de Sienne qui appelle un blanc cassé. Ces relations colorées ne procèdent pas d'une théorie préétablie mais d'une sensibilité cultivée par des années d'observation. Mes mélanges révèlent parfois des harmonies inattendues : dans une œuvre récente, l'association d'un jaune cadmium et d'un violet de cobalt crée une vibration optique qui transforme la perception de l'espace pictural, lui conférant une profondeur quasi- architecturale.
Néanmoins, ma création oscille entre deux registres qui se nourrissent mutuellement. D'une part, mes compositions géométriques naissent d'une recherche architecturale rigoureuse. Je conçois ces œuvres sur AutoCAD, explorant les tensions entre lignes droites et courbes, analysant les rapports de proportion qui structurent l'espace pictural. Ces toiles révèlent l'influence de ma formation en paysagisme : elles transposent dans le plan de la peinture cette logique de l'organisation territoriale où chaque élément dialogue avec l'ensemble. Une récente série de formats moyens explore ainsi les variations chromatiques autour de modules répétés, créant des rythmes visuels qui évoquent autant l'urbanisme contemporain que les partitions musicales.
D'autre part, mes peintures gestuelles émergent d'un processus radicalement différent. Ici, je privilégie l'action directe, laissant la couleur guider le développement de l'œuvre. Ces toiles se construisent par accumulation de gestes, chaque coup de pinceau répondant au précédent dans une conversation intime avec la matière. L'usage des pigments en poudre révèle ici toute sa pertinence : leur granularité, leur opacité variable selon les mélanges créent des textures imprévisibles qui enrichissent la surface peinte. Dans ma dernière série de grands formats, j'ai exploré les possibilités expressives de superpositions colorées où la transparence de l'acrylique dialogue avec l'opacité des pigments, créant des profondeurs optiques qui évoquent les stratifications géologiques.
Cette dualité méthodologique reflète peut-être l'esprit de ma génération : nous sommes la première à avoir grandi avec les outils numériques sans en avoir peur, à les intégrer naturellement dans des pratiques millénaires. AutoCAD devient ainsi un pinceau parmi d'autres, un moyen d'investigation compositionnelle qui n'exclut pas la spontanéité gestuelle mais l'enrichit d'une dimension analytique. Cette hybridation technique me permet d'explorer des territoires picturaux inédits, où la précision géométrique peut coexister avec l'accident contrôlé.
La matérialité s’impose comme le cœur battant de ma recherche. Face à un monde qui s’efface dans l’immatériel, la matière devient mon langage premier, mon ancrage. Peindre n’est pas tant représenter qu’entrer en négociation avec le réel : les pigments révèlent leurs affinités secrètes, leurs résistances, leurs métamorphoses. Dans ce corps à corps, la création retrouve sa dimension tactile, essentielle. L’art se vit alors comme une expérience totale du corps, un engagement des sens qui réconcilie le geste, la pensée et la matière.
Un écho dans la pensée de Merleau-Ponty, qui dans “L'Œil et l'Esprit” décrit si justement cette communion entre le peintre et le monde : “C'est en prêtant son corps au monde que le peintre change le monde en peinture.” Cette phrase résonne particulièrement avec ma pratique car elle éclaire cette nécessité profonde qui me pousse à peindre : non pas représenter le monde mais le transformer par l'acte même de peindre.
Je souhaite dire alors, ou du moins pensé, que quand mes mains plongent dans les pigments, quand mes gestes tracent sur la toile, je ne copie pas la réalité - je participe à sa recréation. C'est peut-être là la réponse à cette question fondamentale qui habite tout jeune artiste : pourquoi créer ? Parce que peindre, c'est habiter le monde différemment, c'est révéler des aspects invisibles du visible, c'est participer à cette alchimie mystérieuse où la matière devient sens. Où la matière devient nécessitée.
Mes références aux maîtres américains s'actualisent dans une perspective décomplexée. Newman m'intéresse par sa capacité à faire vibrer de vastes plages colorées, Rothko par cette profondeur contemplative qu'il parvient à inscrire dans la couleur pure, Clyfford Still par cette gestuelle brutale qui révèle la peinture comme confrontation physique.
En définitive, ma démarche artistique s'oriente fondamentalement vers la recherche de ces espaces liminaux où la peinture révèle ses vérités cachées. Ces territoires de seuil ne sont pas simplement physiques - bien que l'entre-deux de l'atelier familial joue un rôle crucial dans ma création - mais relèvent d'une géographie sensible où s'articulent tradition et innovation, calcul et intuition. Je cherche dans chaque toile ces moments de passage où la matière devient pure expression, où les frontières entre figuration et abstraction se dissolvent dans l'évidence du geste.
Cette quête m'amène à explorer des codes encore à décoder, ces grammaires secrètes que la peinture porte en elle sans toujours les livrer explicitement. Comment un rouge dialogue-t-il avec un bleu au-delà des lois physiques de la complémentarité ? Comment certaines textures créent-elles des profondeurs qui défient la planéité de la toile ? Ces questions habitent mes expérimentations quotidiennes et nourrissent ma conviction que l'art contemporain peut encore révéler des langages inédits.
L'investigation de la condition naturelle traverse également mon travail, non dans une perspective représentationnelle mais comme exploration des forces organiques qui traversent l'acte de peindre. Mes gestes sur la toile épousent parfois des rythmes naturels - le temps de séchage des pigments, la résistance variable de la matière selon l'hygrométrie - révélant une conception de l'art comme collaboration avec les éléments plutôt que domination de ceux-ci.
Cette recherche interroge finalement la façon dont le regard se pose et se dépose sur l'œuvre, comment il se noue et se dénoue dans la contemplation. Mes compositions travaillent cette temporalité du voir : certaines toiles se livrent immédiatement, d'autres demandent un temps d'apprivoisement, créent des résistances visuelles qui obligent l'œil à modifier son approche.
Cette dialectique entre évidence et mystère me semble fondamentale pour préserver à l'art sa capacité de surprise et de transformation.
Je porte sur mon travail ce regard analytique que permet la jeunesse : assez de distance pour observer ma pratique avec lucidité, assez de proximité pour la remettre en question quotidiennement. Mes œuvres récentes témoignent de cette évolution : elles gagnent en assurance compositionnelle tout en préservant cette fraîcheur d'approche qui caractérise les commencements. Cette position d'artiste en construction n'est pas une excuse mais un programme ambitieux : continuer à apprendre, à douter, à recommencer.